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Fotografiar en movimiento: arte y reflexión
16 de septiembre de 2007
Por Paulina Simon Torres
psimon@hoy.com.ec
Los oficios que se esconden detrás de cada película son obra de talentosos artesanos que
tejen con luz, color y texturas los encuadres que dan vida a cada historia. En el Ecuador,
la nueva industria del cine ve surgir, también detrás de la pantalla, un numeroso grupo de
técnicos, encabezado por los directores de fotografía cuya imprescindible labor comentan
aquí junto a sus cómplices, los realizadores.
PROPUESTA ESTÉTICA DE LOS CINEASTAS:
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Víctor Arregui acerca del fotógrafo de Cuando me toque
a mi |
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¿Por
qué Daniel Andrade para fotografiar Cuando me toque a mi?
 Porque creo que él es un profesional no solo en la técnica sino en
todas las áreas del cine. Y ya en el trabajo confirme además que él quería contar la misma
historia que yo. Daniel tiene una comprensión del cine más allá de la parte técnica
fotográfica. Yo me respalde en él por ser un cineasta. Además me siento muy a gusto
trabajando con él. Tenemos una buena relación y esa unión se nota en las escenas de la
película.
¿Cuál fue la propuesta estética que tu hiciste?
 Hablamos mucho mientras visitábamos las locaciones buscábamos una atmósfera
citadina, que combine la ciudad con la muerte, con la morgue.
Decidimos conjuntamente filmarla en digital y planificamos también inflarla a 35 mm así que
hicimos investigaciones técnicas para que todo lo que hagamos con la cámara sea propicio
para que inflarla de un mejor resultado.
Por otro lado, la muerte, tema central de la película, ya tenía bastante quietud, por eso
dábamos vida con el movimiento de la cámara. Usamos colores como el verde que son muy
típicos de los hospitales, para crear un ambiente más marcado.
¿Cuánta libertad le diste como director al fotógrafo?
Toda la confianza y libertad. No me preocupo durante el rodaje. Llegábamos a la locación y
hacíamos un ensayo con la iluminación y luego Daniel hacía todo lo demás.
¿Cuál fue el aporte del fotógrafo en tu obra?
Yo busque a Daniel por que además de ser un excelente técnico, su aporte es global. La suma
de visiones es el mayor aporte a la película.
¿Es tu película, visualmente lo que te propusiste?
Una de las grandes virtudes de la película es la fotografía está bien lograda y atrapa al
publico. Cada imagen, cada secuencia es como una postal, de cada rincón de la ciudad. Y las
imágenes sustentas perfectamente la historia.
¿Qué imagen o secuencia es tu preferida en Cuando me toque a mi?
Las imágenes de Quito y la textura y el color y el encuadre de la morgue.
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Septiembre 2007
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Yanara Guayasamín acerca del fotógrafo de Cuba el valor de
una utopía |
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¿Qué cualidades de Olivier Auverlau que le
convierten en el fotógrafo de Cuba el valor de una utopía?
 Hay ciertas cosas que necesito de la gente con quien me gusta trabajar y
Olivier las reúne todas:
-Calidad de acercamiento al tema y a los sujetos a filmar, si nos gustan o no igual deben ser
tratados con respeto.
-Escucha la propuesta cinematográfica y en general sabe muy bien el estilo que manejo y lo que
privilegio en una toma.
-Participación creativa, productiva en el sentido del proyecto.
-Tiempo para que él abarque el proceso, que en el documental tiende a ser largo.
-Búsqueda, y digo solo búsqueda de la perfección. Nunca conformarse.
-Ser exigente consigo mismo y con los demás.
-Que se arriesgue y le guste la experimentación.
-Que mire su entorno y lo analice mas allá de su primera apariencia.
-Que no tema el trabajar o cuente los minutos.
¿Cuál fue la propuesta estética que tú hiciste o qué estilo de fotografía desebas
para tu película?
Cercanía a los personajes (con respeto) en todos los sentidos, incluyendo una cámara que no
rompa con los momentos que se dan en la realidad, que participe pero no interfiera (esto crea un
estilo que es parte de la propuesta estética, ya que la estética es, también humanidad,
para mi).
La cámara ha sido la encargada de relatar el “decorado” el entorno en que se
mueven los personajes, creando a veces un contrapunto necesario, otras revelando partes no
dichas de la realidad, otras apoyando lo que se manifiesta, o simplemente acompañando.
Es una cámara que mira el entorno, no solo al sujeto, y pretende adentrarse mas allá de lo
visible , de lo inmediato.
Una alta calidad fotográfica, en un estilo cuidado al milímetro, hemos usado trípode la
mayoría del tiempo, salvo en secuencias que requerían de otro ritmo y nos hemos dado el tiempo
para que la luz esté donde queremos, y sobre todo hemos tratado de estar alertas, activos ,
mirando lo que pasa a nuestro alrededor, a pesar del calor y las pobres condiciones económicas.
¿Cuánta libertad le diste al fotógrafo?
A veces he molestado por un reencuadre porque quería mas presencia de una cosa o personaje, mas
que otro, o pido constantemente planos específicos porque poniendo en relación ciertas cosas se
crea mayor significado, me importa mucho la altura de la cámara por lo que a veces le pido que
baje o suba o simplemente ayudas (como una bandera o incluir un negro en la toma) para facilitar
la edición, pero por lo general después de sendas conversaciones de lo que era necesario en
estilo o ritmo para determinada secuencia o personaje, él tiene carta blanca. Tiene toda la
libertad, porque tiene toda mi confianza.
¿Cuál fue el aporte del fotógrafo en tu obra?
Determinante, no sería lo que es sin su creatividad, humanidad, manejo de la técnica, su inmensa
capacidad de resolver problemas, su involucramiento y tesón. No por nada es el fotógrafo de mis
10 últimos proyectos.
¿Es tu película, visualmente lo que te propusiste?
Definitivamente
¿Qué imagen o secuencia es tu preferida en Cuba el valor de una utopía?
Son bastantes. En fin seria difícil para mi elegir una porque lo que me gusta generalmente debe
reunir fotografía con contenido y eso a veces es también labor de la edición.
Me gusta Félix al borde del malecón con los niños saltando al agua. Me gustan los tres niños
que pasan jugando a caballo con una rama de palmera. Me gusta el pescador en su bote de
espumaflex. Cintao en su caseta de tiro. |
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Septiembre 2007
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Tania Hermida acerca del fotógrafo de Qué tan lejos |
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¿Por qué
Armando Salazar para fotografiar Qué tan lejos?
 El proceso de llegar a Armando fue complejo porque en principio quería trabajar con
un fotógrafo con mucha experiencia. Quería que todo el equipo tuviera más experiencia que yo ya
que se trataba de mi primera película. Luego, conformado el equipo técnico decidí que no
necesariamente la experiencia me iba a dar lo que yo quería. Eso no iba a significar que yo tenga
mas tranquilidad en el. Poco a poco el proyecto se decantó por gente con menos experiencia pero
que desde mi punto de vista tenia mucha pasión por el proyecto.
El hecho de conformar un grupo en el que para muchos era nuestra primera película le nos dio
muchas gratificaciones.
¿Cuál fue la propuesta estética que tu hiciste?
Yo quería que la película sea muy minimalista, que hubiera poco elementos y que sean muy
significativos, tanto para la fotografía como el arte quería hubiesen colores que resaltaran,
elementos como el rojo del saco de la protagonista.
La propuesta era casi vaciar el cuadro y que entren los elementos importantes para la historia.
También, quería que la cámara no se moviera y no cortará hasta que sea indispensable.
¿Cuánta libertad le diste como director al fotógrafo?
Con el hubo mucha sincronía con la selección de colores, texturas, etc.Hicimos un trabajo de
mesa dos meses y en campo otros dos. Fotografiando las locaciones y eligiendo lo que queríamos
que se vea en la película. Fue un trabajo en el que los dos nos sentimos muy libres. Una labor de
coautoría. No hay un limite, fue una propuesta conjunta que durante el rodaje estaba muy clara.
¿Cuál fue el aporte del fotógrafo en tu obra?
Finalmente la fotografía es de él en la medida en que cada elemento pertenece a la película. No
buscábamos que ningún elemento se luzca por sí solo y la virtud del equipo es que trabajo en
función de la historia. La fotografía es orgánica con la historia.
¿Es tu película, visualmente lo que te propusiste?
Sí. La película funciona como un todo.
¿Qué cualidades prefieres en el fotógrafo al momento de rodar una película?
Que esté comprometido con la historia, que haya entrega y generosidad. Que no haya egos que
quieran mostrar solo su virtuosismo.
¿Qué imagen o secuencia es tu preferida en Qué tan lejos?
Hay muchas. Mientras más veces la veo hay planos que todavía me sorprenden por que son muy
significativos. Yo creo que uno de los planos mas bellos son cuando están en la neblina y llega
Jesús. Es un plano fijo, donde dependíamos de la neblina y el clima, pero fue una búsqueda
colectiva muy intensa. Ahí confluyeron muchos elementos.
Me gusta la cámara contemplativa con una conciencia mayor a la del personaje. Hicimos muchos
planos en los que los personajes van por un lado y la cámara va por otro. Y hay uno cuando ellas
caminan por la montaña en el que sucede esto. |
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Septiembre 2007
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Mateo Herrera acerca del fotógrafo de El Comité |
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¿Por qué
Coco Laso para fotografiar El Comité?
Porque había visto su trabajo previo en fotografía fija documental, vi una sesión y uno sobre
la procesión. Es un excelente fotógrafo documental. Desde que vi sus fotos siempre quise
trabajar con el por su visión.
¿Cuál fue la propuesta estética que tu hiciste , o qué estilo de fotografía
desebas para tu película?
Para El comité nos basamos en un concepto: no utilizar nunca el teleobjetivo sino todo en gran
angular, porque queríamos una estética no de vigilancia, sino de intimidad, no queríamos filmar
a lo lejos.
La cárcel es un lugar muy delicado para filmar y preferimos hacerlo todo en gran angular y
acercarnos más, que no parezca que estamos trabajando a escondidas.
Nos remitimos a una frase que dice un gran fotógrafo, Frank Capa: “ Si tus fotos no son lo
suficientemente buenas es porque no estas lo suficientemente cerca”
¿Cuánta libertad le diste como director al fotógrafo?
La mitad del tiempo pasamos conversando y discutiendo. Cada uno respetaba el trabajo del otro.
Dentro del formato que escogimos tuvo una libertad total. Decidimos no utilizar trípode, ni
luces, pero más allá de eso, él podía hacer lo que quiera.
¿Cuál fue el aporte del fotógrafo en tu obra?
Fue un aporte total es él quien convierte en imágenes todo lo que se discute en el guión y es
impresionante como hasta de forma inconsciente se manifiestan ideas que solo habíamos tenido en
mente o que son simbolismos.
Nosotros relacionábamos lo que nos pasaba en l cárcel con mitología griega y eso se logró
transmitir en imágenes. Por ejemplo el sistema carcelario como el laberinto y eso si se ve
reflejado en la fotografía. Incluso en algunos festivales ha habido crítica que comenta que se
nota las analogías con la mitología sin que nosotros lo hayamos comentado nunca.
¿Es tu película, visualmente lo que te propusiste?
Sí, no es preciosista. Es una película cruda en la que tenemos un formato de realidad todo esto
nos propusimos y lo logramos.
¿Qué cualidades prefieres en el fotógrafo al momento de rodar una película?
Que sea una persona que con su propia visión, estilo y personalidad. Que no sea un fotógrafo
estándar, que quiera expresarse artísticamente a través de la foto. Que tenga un acercamiento
artístico lo contrario a la televisión y lo periodístico. El documental es arte no reportaje.
¿Qué imagen o secuencia es tu preferida en El comité?
Muchas, hay momentos de humor que son muy interesantes, pero la secuencia que más recuerdo es la
del motín. |
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Septiembre 2007
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Carl West acerca del fotógrafo de Sé que vienen a matarme
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¿Por qué
Diego Falconi para fotografiar Sé que vienen a matarme?
 Diego ha sido mi fotógrafo ya en cinco películas Y yo he podido ver en cada uno de
sus trabajo como ha crecido en su arte. El progreso de Diego es enorme, es el tipo de fotógrafo
que cualquier director quisiera tener. En cada nuevo rodaje él mejora más su técnica y siempre
tiene sus propias propuestas de texturas, de color, de encuadres, etc. Además, tenemos esa unión
que hace falta entre director y fotógrafo.
¿Cuál fue la propuesta estética que tu hiciste?
Lo que hicimos fue reunirnos con la dirección de arte y vestuario y ahí encontramos la
estética. Lo que hizo Diego fue traer fotografías, el resto dibujos y yo les conté que lo que
más quería era resaltar la figura dramática de García Moreno. No quería nada estático sino
en movimiento.
¿Cuánta libertad le diste como director al fotógrafo?
Suficiente para que él no tengan problemas con su propia creatividad. Yo soy un director muy
visual y siempre estoy atento a la puesto en escena y Diego me ayuda, él sugiere movimientos y
cosas para mejorar las propuestas.
Con él yo tengo un trabajo en común, nos comprendemos con respecto a los estados de ánimos de
los actores por ejemplo. Y él es excelente para resolver con gran facilidad cualquier conflicto o
nuevo deseo del director en la mitad del camino.
¿Cuál fue el aporte del fotógrafo en tu obra?
Él me dio a mi la libertad de enloquecer un poco, de cambiar ideas de última hora, de hacer
cosas muy ambiciosas y él se dio modos para resolver las cosas. Yo me siento muy respaldado por
él, me da mucha seguridad.
¿Es tu película, visualmente lo que te propusiste?
Sí. Yo siempre digo que no hay nada perfecto, pero en un 80% siento que hemos llegado al ideal.
¿Qué imagen o secuencia es tu preferida en Sé que vienen a matarme?
Me gustan muchas, pero disfruto mucho de la escena en la que Virginia Klinger camina hacia
nosotros y se encuentra con García Moreno escondido detrás de un árbol. También una escena muy
dramática, sin texto, cuando entra Juanita a la Iglesia a dejar el ataúd de su hijo. Cuando veo
estas imágenes me doy cuenta de cuanto me gusta mi trabajo. . |
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Septiembre 2007
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Daniel Andrade, fotógrafo de Cuando me toque a mi |
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Ficha técnica:
Nombre: Daniel Andrade
Edad: 33 años
Filmografía como director de foto: Cuando Me Toque a Mi, Esas No Son, Jaque, 1809-
1810 Mientras Llega el Día, Dead Doll, Nobody Needs to Know.
 ¿Cómo le llegó la vocación por la fotografía?
Difícil pregunta, la verdad no sé si ha llegado. Empecé a hacer fotos hace 12 o 13 años. Veía
muchas películas y muchos libros de fotografía. Creo que la cosa se da naturalmente. En algún
momento salté a la foto de cine en donde controlas más todo y usas la iluminación expresivamente.
Todo paso a paso supongo. Difícil saber donde empiezan las cosas.
¿Dónde aprendió el oficio?
Las bases en la universidad, otra parte viendo películas y observando como se comporta la luz todos
los días y otra gran parte trabajando en los sets donde filmo. Creo que es un oficio en el que se
sigue aprendiendo todos los días. Se sigue aprendiendo las cosas básicas al mismo tiempo que la
tecnología avanza y hay que aprender cosas nuevas. Creo que eso es lo más divertido.
¿Qué equipo usa?
Todo tipo de equipos. En el caso del cine cámaras de cine de 35mm, de 16mm, de super 8 a veces.
Equipos de video de alta definición de baja definición. Lo que sea necesario para cada proyecto.
Cada aparato sirve para algo. En fotografía fija cámaras digitales y cámaras análogas que me
divierten mucho más. Varios formatos. Todo depende de qué sea lo que estás haciendo.
¿Qué tipo de fotografía hace cuando no trabaja en cine?
Me gusta pensar que hago fotos de reportaje en blanco y negro pero la verdad el último que hice fue
un par de años. Les saco muchas fotos a mis hijos. Cuando viajo me gusta andar con la cámara aunque
a veces me gusta no tenerla porque me pongo ansioso por hacer fotos cuando a veces es mejor solo
acordarse de las cosas.
Preferencias:
¿Digital o análoga?
Les quiero más a las análogas pero ahora les traiciono mucho con una digital. Cada vez es más
difícil hacer fotos análogas pero cada vez que las hago juro no volver a las digitales. Todo es más
orgánico en las fotos análogas. La textura de las fotos, el momento en que las tomas. Todo es
físico y directo. No quiero filosofar pero a veces lo inmediato de lo digital le quita un poco el
misterio al asunto.
En el cine es lo mismo. La sensación de rodar en celuloide es totalmente distinta. Además el
resultado es infinitamente superior todavía.
¿Blanco y negro o color?
En fotografía fija el blanco y negro es más directo. Va al punto. Te deja ver lo esencial. Me gusta
el color cuando está allí por alguna razón. Creo que si se usa bien el color expresa mucho. Les
huyo a los colores chillones, eso si que no soporto. Cuando hay color prefiero que sea desaturado y
sutil. Siempre peleo contra lo estridente, creo que distrae. Es como si te gritaran algo, se vuelve
difícil de entender lo que te dicen.
¿Luz solar o luz de luna?
Difícil pregunta. Con la luz de luna no se puede filmar. Reproducirla en el cine me parece horrible.
Prefiero lo que se llama la noche americana, usar la luz del día para que se sienta noche. Me gusta
mucho el final del día. Es la mejor luz pero en el Ecuador dura muy poco. Los amaneceres y
atardeceres aquí son cortísimos. En Cuando me toque a mí nos pasamos semanas completando las
secuencias de amanecer. Rodábamos un par de cosas y teníamos que parar esas escenas, seguir el resto
del día con otras cosas y volver al siguiente amanecer. Me gusta el momento en el que el cielo tiene
todavía algo de luz y las luces de la ciudad ya se notan.
Al sol abierto generalmente le huyo. En Quito es muy difícil para filmar porque sube muy rápido y da
sombras muy feas en las caras. Víctor Aregui quería que usemos eso como parte de la identidad visual
de la película. Que la luz del sol venga de arriba, sea muy fea. Yo lo intenté pero la verdad es que
como idea funciona pero si no le ves los ojos a un actor es muy difícil fotografiarlo y peor
comprenderlo. Yo lo intenté al principio pero no funcionó. Prefiero los días nublados o la luz del
sol muy temprano.
Fotógrafo favorito:
En foto de reportaje creo que Josef Koudelka. Sus libros viejos de los gitanos y Exilios me encantan.
Nunca me canso de ver las fotos de esa gente. No tengo idea cómo las hacía. Sus cosas más nuevas
que son paisajes urbanos panorámicos sin gente también me encantan. Su trabajo no envejece, se
vuelve cada vez mejor. Mi otro fotógrafo es Robert Frank, entre los dos se pelean el puesto. Los
Americanos de Frank es un libro increíble. Además me gusta mucho lo que hizo en cine (Pull My
Daisy). Las cosas más abstractas, más cercanas a la pintura que hace ahora que ya está viejo me
parecen buenísimas. Son una gran evolución de su trabajo. Tienen la misma energía. No sé como esos
tipos no pierden la energía.
Fotógrafo de cine favorito (Hollywood, Europa, América Latina) :
A pesar de que hay directores de foto nuevos que son buenísimos (Harris Savides o Darius Kondhji )
creo que me sigue interesando más el trabajo de Sven Nykvist (el fotógrafo de Bergman) y Gordon
Willis (el fotógrafo de Coppola y de Woody Allen). Nykvist tiene un manejo perfecto de la luz en los
rostros y de la luz difusa. Su fotografía tiene una fuerza increíble. Gordon Willis en cambio tiene
un manejo de la oscuridad que admiro muchísimo. Puede llevar todo al nivel de las tinieblas y sigue
funcionando. Me gustan mucho sus bajísimos niveles de luz.
Su obra que más le complace:
Como fotógrafo creo que el primer largometraje que hice, Nobody Needs to Know. Lo rodamos cuando aun
estaba en la escuela de cine y le tengo mucho cariño. Fue rodado en video blanco y negro y
transferido a cine. Las copias en cine son muy bonitas, no tiene nada que ver con lo que he hecho
después ni con lo que hice antes.
¿Cuál fue el trabajo más difícil de plasmar?
No entiendo mucho que significa plasmar un trabajo. El cine se hace plano a plano así que uno no se
detiene mucho para fijarse lo que se está plasmando. Es como que las películas se construyen con
planos como si fueran ladrillos. A cada uno le das una intención y le pones mucha cabeza. Cuando ya
te das cuenta de lo que se plasmó es un poco tarde, ojalá que lo hayas hecho bien. Lo difícil está
en tener intenciones claras en cada plano creo. Mientras llega el día y Cuando me toque a mi fueron
películas muy difíciles porque tenían miles de complicaciones. Además fueron rodadas cámara al
hombro. Además de todo lo que había que hacer había que ponerse la cámara al hombro una vez que
estaba lista la luz. Se vuelve agotador pero al final ves como se arma todo y se vuelve divertido y
muy interesante.
Estilo
¿Qué tipo de plano, encuadre, movimiento de cámara prefiere?
Me gusta que la cámara se mueva solo si realmente lo necesita. No me gustan los encuadres efectistas
sino los que ayudan a entender lo que les pasa a los personajes. Me gustan los planos amplios que
cuentan muchas cosas al mismo tiempo y los muy cortos en donde pasa lo mismo.
¿Qué temas prefiere fotografiar?
En cine me gusta fotografiar películas que te permitan meterte muy dentro de los personajes. En foto
fija me gusta fotografiar muchas cosas menos paisajes, me salen muy aburridos.
¿Cuánto tiempo le ha tomado perfeccionar su arte?
No creo que sea muy perfecto todavía. Eso considerando que sea arte.
¿Qué película le hubiera gustado fotografiar?
Stranger than Paradise, de Jim Jarmush
¿Qué banda sonora acompaña sus sesiones de fotos?
No hago muchas sesiones de fotos felizmente pero oigo mucho Dub y ahora últimamente Cat power.
¿Cuál fue el mayor reto en Cuando me toque a mi?
No temblar demasiado con la cámara al final del día. Reproducir luz que se vea muy natural en sitios
complicados para iluminar y en ambientes muy diferentes (apartamentos pequeños, la morgue, el
hospital). Los amaneceres fueron una pesadilla pero ahora disfruto mucho viéndolos. Pero lo peor fue
rodar en los autos y en los taxis, eso no le deseo a nadie. Claro que el sonidista, Juan José
Luzuriaga la pasó peor, él hizo el sonido de toda una escena metido en la cajuela de un mercedes,
teníamos que parar de vez en cuando para que respirara. La toma final de la ambulancia en la que
atravesamos el centro de Quito en hora pico al atardecer a toda velocidad fue lo que salvó la semana
de los autos. Trabajar rodando en la sala de emergencias del Hospital Eugenio Espejo fue complicado.
Los actores se mezclaban con la realidad. Lo extraño es que la realidad era tan complicada que a la
gente que estaba allí ni siquiera le importaba nuestra presencia.. |
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Septiembre 2007
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Olivier Auverlau, fotógrafo de Cuba el valor de una utopía |
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Ficha técnica:
 Nombre: Olivier Auverlau
Edad: 38 años
Filmografía como director de foto:
Más de 80 comerciales en 35 mm. De cuándo la muerte nos visitó, Cuba, el valor de una Utopía, Entre
Marx y una mujer desnuda, Great Wake, Whale, Pia, Silencio Nuclear, Oficios milenarios. Entre otras 16
obras en 35 y 16 mm, cortometrajes.
¿Cómo le llegó la vocación por la fotografía?
Con un instamatic formato 126, a los 7 años de edad. Siempre me gustó , mis padres se molestaban por que
fotografiaba pájaros en el cielo, hormigas en el suelo, ruedas de bicicletas y claro, no siempre salía
bien y ellos pagaban el revelado.A los 13 o 14 me fui perfeccionando y tuve mi camarita reflex rusa y mi
ampliador.
¿Dónde aprendió el oficio?
Primero, haciendo; después, a los 17 años en la escuela de fotografía 3 años y la universidad de cine,
4 años en Bélgica mientras trabajaba como fotógrafo de publicidad y moda en Bélgica. Lo uno fue
complemento de lo otro: la foto de cine me dio un gran paso a la foto fija y viceversa.
¿Qué equipo usa?
Cámaras de fotos normales, película y digital. Varios formatos desde 35mm hasta 8x10. Panorámicos y
juguetes míos. En cine 35mm, Super 16, Super 8, video HD, etc.
¿Qué tipo de fotografía hace cuando no trabaja en cine?
Hago fotografía para comerciales, cortos, clips. Y en foto fija reportajes, moda y publicidad.
Preferencias:
¿Digital o análoga?
Las dos: cada una tiene su sentido y su uso, sus ventajas e inconvenientes. Lo digital es perfecto para el
“trabajo “, lo otro es para mi.
¿Blanco y negro o color?
Los dos , depende para que.
¿Luz solar o luz de luna?
En rodaje se empieza muchas vez con la luna y se acaba la jornada con el sol.
Fotógrafo favorito: Cartier Bresson, Saudek, Kudelka y tantos otros.
Fotógrafo de cine favorito:
Henri Alekan, Sacha Vierny, Sven Nisvisk , son tres que tuve la oportunidad de conocer y algunos tener
clases con ellos. Son tres guías, tres caminos diferentes.
Su obra que más le complace: todas tienen sus defectos, pero me encantó hacerlas.
¿Cuál fue el trabajo más difícil de plasmar?
La realidad o su representación: esperar el nacimiento de un bebé dentro del documental de cuando la
muerte nos visitó” , el nieto de un personaje ... el niño salió muerto , filmar el cuerpo
inerte y darle un sentido poético.
Estilo
¿Qué tipo de plano, encuadre, movimiento de cámara prefiere?
Difícil pregunta, depende de lo que se hace, cada película, cada rodaje es otra cosa. Me gusta lo
sencillo, lo limpio, el verdadero lenguaje cinematográfico. Los planos secuencia, me gusta el cine mudo,
no solo el antiguo, creo que es un reto , hacer un corto mudo. Me gustan los travelling que cuentan algo,
y no los que simplemente mueven la camera por moverla. Me gusta el choque de un plano abierto fijo a un
primerísimo plano. Eso de las cámaras volando por todas partes y el corte machete a 80 planos por
minuto, no es mi estilo, pero quien sabe, si funciona y es inteligentemente pensado y tiene sentido, por
qué no.
¿Qué temas prefiere fotografiar?
El documental, la vida. Pero con eso llego al retrato también. En el cine te cruzas con todo: mezcla de
realidad, mezcla de ficción. La ficción viene de recuerdos de realidad, experiencias vividas. Es
confuso, difícil separar lo uno de lo otro .
¿Cuánto tiempo le ha tomado perfeccionar su arte?
Mucho y sigo en esto. se aprende todos los días.
¿Qué película le hubiera gustado fotografiar?
Nosferatu de Murnau, hace casi 20 años en el “colé” de cine, hicimos estudios de
técnicas sobre este look. Logramos algo muy similar con película de sonido y ahora le estoy adaptando
una manivela a mi cámara de cine 35mm Rusa a ver si algún director aquí le interesa probar.
¿Qué banda sonora acompaña sus sesiones de fotos?
El diálogo con la gente y si estoy solo, en estudio el Blues.
¿Cuál fue el mayor reto en Cuba el valor de una utopía?
Bueno, mi primera pisada por América Latina fue a Cuba, en 1992 y al tercer día me tocaba filmar a Fidel
Castro en 16mm. No sabia bien hasta donde podía llegar o acercarme. “Coño “ era Fidel y yo un
Belga salido del escuela de cine.
Los siguientes encuentros fueron mas fáciles, pero éramos jóvenes, con 5 latas de película caducada,
una cámara que hacia ruido y sin sonido directo. Así empezó el rodaje del proyecto. El control de
seguridad de la casa me entregó los equipos un minuto antes de que llegue Fidel. Pero me tocaba cargar
Magazines ¡me perdí la primera entrada, tenia las manos en el Changing bag y sudaba “pepas”,
pero bueno hubieron otras. |
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Septiembre 2007
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Armando Salazar, fotógrafo de Qué tan lejos |
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Ficha técnica:
Nombre: Armando Salazar
Edad: 41 años
Filmografía como director de foto: Que tan lejos, los cortometrajes: La increíble
historia de Orko y Adela, El equilibrio del día, En rojo, Impulsos, La Ruta, Bajas vibraciones, Tuyo
Hasta la muerte, Perdidos, Fábrica de Sueños, y fotografía compartida en los documentales Augusto San
Miguel ha muerto ayer, Ecuador vs. resto del mundo y La Churona.
¿Cómo le llegó la vocación por la fotografía?
 Cuando estaba en la universidad empecé a hacer cámara para proyectos de mis
compañeros y descubrí que me daba mucho placer y me daba la posibilidad de reinventar constantemente
sobre las convenciones del lenguaje cinematográfico. Paralelamente hacía fotos y así, entre el
video y la foto, llegué poco a poco al cine.
¿Dónde aprendió el oficio?
En Quito, en España y en Cuba.
¿Qué equipo usa?
Como fotógrafo documental uso una cámara NIKON F4 y un par de lentes.
¿Qué tipo de fotografía hace cuando no trabaja en cine?
Proyectos personales de fotografía documental en blanco y negro (en película).
Preferencias:
¿Digital o análoga?
Análoga
¿Blanco y negro o color?
Blanco y negro, para el cine prefiero el color
¿Luz solar o luz de luna?
Ambas creo, no me guío por eso sino por la idea o ideas que cruzan la historia, eso me motiva el tipo de
luz
Fotógrafo favorito:
Josef Koudelka (checo)
Fotógrafo de cine favorito (Hollywood, Europa, América Latina):
Sven Nikvist (sueco)
Su obra que más le complace:
Obviamente Qué tan lejos, mi primer largo, por todo lo que ha significado como película.
¿Cuál fue el trabajo más difícil de plasmar?
En Qué tan lejos, la escena de la noche en la playa, poca luz, mucho humo, intensidad dramática, cierta
improvisación; era como un baile entre los actores y la cámara; nunca estuve tranquilo hasta que vi el
material procesado y sentí que “aguantaba” como se dice, pudo quedar mejor.
Estilo
¿Qué tipo de plano, encuadre, movimiento de cámara prefiere?
En general cualquier recurso de cámara que me ayude a acentuar el drama y el momento del personaje; pero
por principio prefiero que la cámara no se mueva demasiado.
¿Qué temas prefiere fotografiar?
En el cine me interesan las historias contemporáneas con personajes aparentemente ligeros (es decir no
muy intensos) y en los que poco a poco vamos descubriendo cierta complejidad. En la foto documental
me interesan los temas urbanos y en general los mundos poco representados en los medios.
¿Cuánto tiempo le ha tomado perfeccionar su arte?
No me ha tomado, me sigue tomando, no creo que se pueda llegar a perfeccionar, cada película es distinta
y cada vez hay algo nuevo que no se ha hecho antes. Y en la foto fija aún hay hojas de contacto que
no devuelven ninguna imagen y de vez en cuando rollos con más de una, hay una cierta incertidumbre
en el oficio, eso crea tensión y acentúa el rigor del trabajo.
¿Qué película le hubiera gustado fotografiar?
La Ciénaga, de Lucrecia Martel.
¿Qué banda sonora acompaña sus sesiones de fotos?
Cuando hacía sesiones de fotos comerciales usaba música, me distraía. Pero ya no las hago. |
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Septiembre 2007
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Coco Laso, fotógrafo de El Comité |
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Ficha técnica:
Nombre: Francois Laso
Edad: 34 años
Filmografía como director de foto: El Comité, Mete Gol Gana, Ellas.
¿Dónde aprendió el oficio?
El oficio se aprende viendo como hacen los otros, preguntando y en la calle.
¿Qué equipo usa?
 La verdad es que no se que responder, te diría: una cámara de fotos. Pero como intuyo
hacia donde va la pregunta me gustaría contarte que Paolo Pellegrin, un fotógrafo documental y de prensa
que ganó el año pasado el premio de prensa de Word Press Photo fotografía con una cámara “point
and shot” y unos cuantos rollos blanco y negro…
¿Qué tipo de fotografía hace cuando no trabaja en cine?
Soy, primero y antes que nada un fotógrafo, no un director de fotografía. Mis preocupaciones están
siempre más cercanas a la fotografía que al cine. Lo del documental y la fotografía de documentales o
de imágenes en movimiento llegó después, un poco por azar y otro poco porque tenía ganas de explorar.
Para mi es un transitar suave y silencioso. Paso de lo uno a lo otro sin preguntarme demasiado y creo que
he tenido la suerte de filmar lo mismo que hubiese fotografiado y he fotografiado lo mismo que hubiese
filmado, aunque los resultados sean completamente diferentes.
Preferencias:
¿Digital o análoga?
Me parece una cuestión irrelevante, en la fotografía prima siempre la persona, aquella o aquel que está
siendo fotografiado y aquel que, finalmente, está en una fotografía. Lo otro es simplemente una
técnica, una tecnología que usamos para decir y contar algo sobre el mundo. Es como preguntarle a un
escritor si usa máquina de escribir, papel y lápiz o una computadora.
¿Blanco y negro o color?
Uso prioritariamente el blanco y negro porque me parece que los procesos del color caducan muy pronto,
sean digitales o en película. Una fotografía en color de los años setenta revela su artificio y
rápidamente se convierte o es percibida como una foto “de antes”. El blanco y negro permite
más paradojas y complejidades en ese sentido. Hay fotografías de 1920 frente a las cuales uno, perplejo,
se pregunta si aquello que uno ve sucedió ayer o hace 50 años. Cuando uno ve una fotografía de Kudelka
de 1972 percibe una continuidad en el tiempo, una continuidad de la experiencia vital de los hombres y no
una ruptura. A lo mejor es una cuestión de las maneras de ver de fotógrafo y no de si es blanco y negro
o a color. Es una pregunta con muchísimas respuestas.
¿Luz solar o luz de luna?
No hay limites ni diferencias, todo es un continuo y se fotografía mientras se vive, de día y de noche.
Fotógrafo favorito:
Muchos, de varias épocas y con miradas diferentes. Steglitz, Rio Branco, Larraín, D’Agata,
Pellegrini, Sarah Moon, Avedon, Cartier Bresson, Mejía, Dolores Marat son los que me vienen a la mente
ahora. Me gustan mucho unos 40 o 50 fotógrafo o quizás más, hay fotógrafos sorprendentes que descubro
todos los días.
Fotógrafo de cine favorito (Hollywood, Europa, América Latina) :
No tengo un fotógrafo de cine favorito, pero de los que más he aprendido viendo sus películas son
Raymond Depardon, Albert Maysles, Richard Leacock, Jorge Muller. Me pasa igual que con la fotografía,
habrá muchos.
Su obra que más le complace:
Todas, porque es el registro de lo que vivo.
Estilo
¿Qué tipo de plano, encuadre, movimiento de cámara prefiere?
Eso no se prefiere, simplemente sucede. Fotografíar, en ese sentido, es para mí una cuestión de
encontrar la distancia correcta, el resto es nuevamente una técnica. Es en el diálogo con el sujeto en
el que uno encuentra el plano o el encuadre o todas esas cosas en las cuales uno, por lo general o casi
siempre, no piensa mientras trabaja.
¿Qué temas prefiere fotografiar?
No se que responder, no creo que haya temas. Lo que si te puedo decir es que no me siento muy cómodo
fotografiando en un estudio o en una ficción.
¿Cuánto tiempo le ha tomado perfeccionar su arte?
Sigo haciéndolo todavía y espero llegar a viejo sintiendo, como hoy, que no se cómo voy a resolver el
siguiente plano.
¿Qué banda sonora acompaña sus sesiones de fotos?
Ninguna, fotografío en silencio
¿Cuál fue el mayor reto en El Comité?
Filmar sin prejuicio |
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Septiembre 2007
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Diego Falconí, fotógrafo de Sé que vienen a matarme |
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Ficha Técnica:
Nombre: Diego Alonso Falconi Averhoff
Edad: 45 años
Filmografía como director de foto: La Tigra, El Chulla Romero y Flores, Siete Lunas,
Siete Serpientes, El Cojo Navarrete, Solo de Guitarra, JJ, Ruiseñor de América, Maldita Sea, Cara o
Cruz, Rumbo a Xanadu, Se Que Vienen a Matarme.
¿Cómo le llegó la vocación por la fotografía?
 Cinéfilo desde que tengo memoria, me dejaban en el cine Colón a dos cuadras de mi
casa a los 5 años y me retiraban al final de la función. A los 12 años con una instamatic a todo lado.
A los 16 años primera cámara reflex SLR (Olympus OM-2) y
laboratorio y ampliado propio de B&N y Cibachrome, junto a la lavandería en la casa de mi abuela.
¿Dónde aprendió el oficio?
Autodidacta al principio, luego Estudios Superiores en La EICTV (Escuela Internacional de Cine y TV en San
Antonio de los Baños, Cuba)como Director y Director de Fotografía.
¿Qué equipo usa?
Nikon en analógico, Canon Rebel XTi en digital. Varios en cine y video.
¿Qué tipo de fotografía hace cuando no trabaja en cine?
Foto ensayo, social, familiar, etc.
Preferencias:
¿Digital o análoga?
Al comienzo analógica , ahora más digital
¿Blanco y negro o color?
B&N al comienzo, ahora más color
¿Luz solar o luz de luna?
Luz solar intervenida (controlada)
Fotógrafo favorito:
Graciela Iturbide (México), Sebastiao Salgado (Brasil), Marucha (Cuba), Martin Chambi (Peru), Lewis Hines
(USA), Josef Koudelka, Henri Cartier Bresson (Francia),Pedro Meyer (México).
Fotógrafo de cine favorito: (Hollywood, Europa, América Latina):
Robby Muller, Michael Ballhaus, Sven Nykvist, Jim Denault, Christopher Doyle,
Ricardo Aronovich, Felix Monti, César Charlone, Darius Khondji, Robert Richardson, Henri Alekan, Ellen
Kuras.
Su obra que más le complace: ninguna
¿Cuál fue el trabajo más difícil de plasmar?
Siete Lunas, Siete Serpientes y Sé Qué Vienen a Matarme.
Estilo
¿Qué tipo de plano, encuadre, movimiento de cámara prefiere?
Movimientos caóticos en tele siguiendo expresión de rostros, enfoque selectivo, contraste.
¿Qué temas prefiere fotografiar?
Rostros humanos, silencios, miradas
¿Cuánto tiempo le ha tomado perfeccionar su arte?
El resto de mi vida
¿Qué película le hubiera gustado fotografiar?
La Ciénega
¿Qué banda sonora acompaña sus sesiones de fotos?
Mi respiración y toda música que caiga en mis oídos
¿Cuál fue el mayor reto en Sé que vienen a matarme?
Que la imagen acompañe la historia sin llamar la atención por sobre ella. |
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Septiembre 2007
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